Sebastian Marbacher gehört zu einer jungen Garde bedeutender Schweizer Gestalter. Seine Arbeiten wurden mehrfach ausgezeichnet und bewegen sich im Spannungsfeld zwischen (Produkte-)Design, Kunst und Architektur.

Er gestaltet Möbel, Produkte und Räume. Dabei sind seine Objekte nahbar, immer alltagstauglich und oft von minimalistischer Linienführung, ohne das Spielerische zu verlieren. Sebastian Marbacher ist ein kreativer Tüftler, ein Ästhet. 1986 in Luzern geboren, absolvierte er zunächst eine Ausbildung zum Konstrukteur, danach folgte sein Studium in Industriedesign an der Zürcher Hochschule der Künste. 2013 gründete er in Zürich das Studio Sebastian Marbacher und arbeitet, neben eigenen Projekten, erfolgreich mit namhaften Unternehmen und Institutionen zusammen. Ein Gespräch über Reduktion, Stühle und die künstlerische Fragestellung.

Sebastian, beginnen wir am Anfang: Welche Erinnerungen wertest du als prägend für deinen kreativen Werdegang?
Vielleicht, dass mein Vater immer eine Werkstatt hatte und oft mit Holz gearbeitet hat. In einem Haus, in dem wir gelebt haben, waren Küche, Werkbank und Feuerstelle in einem Raum. Kochen, gemeinsam am Tisch sitzen und Werken gehören bis heute für mich zusammen.

Apropos zusammensitzen – Stühle sind in deinem Schaffen sehr präsent …
Das hat sich über die Jahre so ergeben. Bei mir stand nie zu Beginn die Idee, einen Stuhl zu entwerfen. Im Verlauf des Suchens komme ich aber immer wieder auf das Thema «sitzen». Stühle haben für mich zudem eine gute Grösse als Objekt. Man kann sie tragen, drehen und in einem erfassen. Diese Einfachheit und Eigenständigkeit von Stühlen hat etwas Spannendes für mich.

Einfachheit als Stichwort – deine Arbeiten sind minimalistisch und doch haben sie etwas Spielerisches an sich …
Mich interessiert tatsächlich Reduktion, aber nicht bis zu dem Punkt, an dem nichts mehr Eigenständiges übrig bleibt. Mich interessiert Reduktion, um das herauszuschälen, was für mich wesentlich erscheint. Klare Linien und stringente Geschichten.

Wie zum Beispiel deine Basic Chairs?
Ja, tatsächlich stand am Anfang die Frage, was braucht es zum Sitzen? Wie minimal darf Sitzfläche und Rückenlehne sein? Zusätzlich reizte mich der Gedanke, eine Geometrie zu finden, die das Stapeln ermöglicht. Der Entwurf hat sich dann über mehrere Prototypen entwickelt.

Ursprünglich Konstrukteur, Maschinenbauzeichner, heute Gestalter und Szenograf – wie hat sich deine Fragestellung über die Jahre verändert und was fordert dich?
Im Maschinenbau sucht man immer die günstigste und einfachste Lösung. Dieses Tüfteln hat mir sehr viel Spass gemacht. Heute aber geht es für mich darum, zuerst einmal komplett aufzumachen. Alles ist möglich und ich arbeite oft am Anfang in sehr vielen verschiedenen Varianten. Das ist eine ganz andere Herausforderung. Was mich interessiert und fasziniert, ist auch die Fragestellung, was ist funktional. Ist die Funktion an erster Stelle oder kann ein Objekt auch zuerst einmal kommunizieren oder sogar irritieren?

Und was macht eine Aufgabe ganz besonders spannend 
für dich?
Schwierige Frage, ich denke, die Abwechslung und Vielseitigkeit der Projekte ist am wichtigsten. Für mich immer wieder spannende Herausforderungen sind ortsspezifische Projekte. Neue Orte und Menschen und Rahmenbedingungen.

Upcycling von Materialien ist immer wieder Thema bei deinen Objekten. Wie wichtig ist Nachhaltigkeit?
Auf der einen Seite bin ich Gestalter, auf der anderen Konsument. In beiden Rollen treffe ich Entscheidungen, in denen Überlegungen zur Nachhaltigkeit mitschwingen. Zum Beispiel über Materialien, kurze Transportwege oder Produktionsstätten. Der Basic Chair wird für Schweiz und Region in Italien produziert, für ein japanisches Label in Japan selbst.

Im Angesicht des Überflusses – kommt man als Produktgestalter nicht grundsätzlich ins Grübeln?
Neue Produkte zu gestalten, steht natürlich in dieser Kontroverse. Man sieht die Abfallberge und die Dinge, die nicht repariert werden können. Entwickelt man aber ein neues Produkt, das dreimal ressourcen- oder energieschonender hergestellt oder betrieben werden kann, dann ist das ein positiver Schritt.

Kommen wir zu deinem jüngsten Projekt. Man munkelt, es habe zwei Räder?
Richtig. Es ist eine Kollaboration, über die ich aber noch nicht allzu viel verraten darf. Es geht um ein Velo, das die Vorteile von kleinen Rädern mit den Vorteilen eines grossen Gepäckträgers vereint. Ich bin der Überzeugung, dass das «Fahrrad» als Überbegriff noch sehr viel Potenzial bietet, wenn wir unsere Veränderung in der Gesellschaft mit den Innenstädten und vielen Menschen anschauen.

Du arbeitest auch immer wieder mit deiner Partnerin und Textildesignerin Mara Tschudi zusammen. Wie geht das zusammen Leben und Arbeiten als zwei Kreative?
Seit ich Mara kenne, sind wir im Austausch in beide Richtungen. Ihre Farbenwelt spielt eine wichtige Rolle in meinen Projekten. Wir kommen aus verschiedenen Disziplinen und ergänzen uns sehr gut in dem Sinne, weil meine Arbeit sehr analytisch, geplant und hergeleitet ist. Und menschlich ist es extrem wertvoll, dass wir einfach das teilen können und verstehen, worum es bei dem anderen geht.

Zum Abschluss: Wie viele Möbel sind bei euch zu Hause 
selbst entworfen?
Einige. Und es gibt eine lange Liste mit unverwirklichten Projekten (lacht). Unser Interieur ist eigentlich eine  konstante Baustelle. Für mich ist das auch eine Art Feldforschung ohne den Druck, ein Ergebnis präsentieren zu müssen. Und dieses komplett frei sein kannst du nur, wenn du weisst, dass es auch scheitern darf.

Photos Copyrights: Dominik Zietlow / studio sebastian marbacher

CELINE
Der einzigartige Stil von Hedi Slimane ist unverkennbar und lässt Sommergefühle aufkommen.
www.celine.com

BOTTEGA VENETA
Dieses It-Piece ist unser absoluter Favorit. Die Sommerdaune ist geflochten und das Grün strahlt Kraft und Energie aus.
www.bottegaveneta.com

SWATCH X JEAN-MICHEL BASQUIAT
Diese limitierte Auflage besteht aus drei Modellen, die seinen ikonischsten Werke nachgeahmt wurden.
www.swatch.com

ACNE
Das T-Shirt passt hervorragend zum bunten After-Beach Drink.
www.acnestudios.com

LOEWE
Hose – für einen Kurztrip bestens geeignet
und zu fast allem toll kombinierbar.
www.loewe.com

RRL
Dieser Cardigan ist kunstvoll und
ein Must-Have-Stück im Sixties-Stil.
www.ralphlauren.eu

Fotos: © STORY MFG, JACQUES MARIE MAGE, LOEWE, CELINE, BOTTEGA VENETA, SWATCH, ACNE, LOEWE, RRL

Klarheit, Kontemplation, Klasse – das zeichnet die Werke des belgischen Designers und Architekten Vincent van Duysen aus. Möbel entwirft der 61-jährige ebenso wie Design-Hotels, stilvolle Offices oder Räume für Kim Kardashian.

Welches Thema treibt Sie zur Zeit um?
Ich interessiere mich für das Wohlbefinden der Menschen im Allgemeinen und für eine generelle Gelassenheit auf der Welt. Mir ist daran gelegen, etwas beizutragen dazu. Das tue ich, indem ich zuerst verstehe, wie Menschen in ihren Häusern leben, ihr Zuhause, ihre Räume bewohnen. Diese Erkenntnisse lasse ich in meine Werke einfliessen.

Wollten Sie immer schon Architekt werden?
Als ich Kind war, führten mich meine Eltern an viele verschiedene Künste heran, das war der entscheidende Einfluss und der Grundstein für meine Wertschätzung und mein Verständnis von Schönheit. Sie förderten auch von klein auf ein natürliches Talent für Kreativität in mir. Für die Architektur habe ich mich entschieden, weil sie so viele Aspekte aller angewandten Künste abdeckt und somit ein Allround-Studiengang ist. Es hätte aber auch Fotografie, Kino, Mode oder ähnliches werden können. Architektur gab und gibt mir die Möglichkeit, meine Kreativität auf unterschiedlichste Weise auszudrücken und damit zur Lebenskunst beizutragen.

Sie leben und arbeiten in Antwerpen, was fasziniert Sie an der Stadt?
Antwerpen ist sehr kosmopolitisch, vor allem was die Kunst, das Handwerk und die Kultur betrifft. Die Stadt bietet eine enorme Bandbreite an Kreativität, vom Theater über Performance, Tanz, Mode bis zur Architektur, an der sich viele beteiligen, aber auf unterschiedliche und einzigartige Art und Weise. Antwerpen ist mein Zuhause, es beeinflusst, «kontaminiert» mich in gewisser Weise, aber gleichzeitig ist es eines meiner beiden Zuhause, in dem ich auch auftanken kann und mich geschützt fühle.

Was lieben Sie an Ihrer Arbeit?
Es gibt viele Aspekte, die ich an meinem Beruf mag. Zum einen, dass ich in erster Linie für Menschen arbeite, um ihr Leben auf organische und zeitlose Weise zu verbessern. Mir gefällt auch, dass mein Beruf mir die Möglichkeit gibt, meine Kreativität zu nähren, und die Fähigkeit, ohne Zwänge auf Veränderungen zu reagieren. Ich liebe es auch, wie ein Schwamm die unterschiedlichsten Disziplinen aufzusaugen. Alles hat das Potenzial, mich zu inspirieren: ein Dokumentarfilm auf YouTube, ein Bild von jemandem, dem ich auf Instagram folge, ein Buch, ein Kunstwerk, alle Arten von visuellen Reizen, Bücher, Galerien, Filme … Alles läuft durch den Filter meiner Empathie und meiner Vorstellungskraft – und daraus schöpfe und kreiere ich.

Aber ich bin nur dann optimal kreativ, wenn ich von Menschen umgeben bin. Ich glaube, das tägliche Leben, die täglichen Begegnungen sind es, die mich am meisten inspirieren. Und meine Reisen. Und mein Team!

Wie haucht man einem Raum Seele ein?
Seit Beginn meiner beruflichen Laufbahn – vor nunmehr 30 Jahren – war es immer das Wichtigste, die Architektur als einen Beruf zu betrachten, der dem Menschen gewidmet ist. Das bedeutet, dass Bewohner eines Ortes, einer Architektur, eines Innenraums sich geschützt und entspannt fühlen müssen. Das bezieht sich auch auf die Möbel und Gegenstände um sie herum, die sie für ein komfortables und glückliches Leben brauchen. Ich verleihe einer Umgebung oder einem Raum Seele, indem ich Taktilität, Zeitlosigkeit, Organik, Textur, Gelassenheit, Komfort, natürliche Materialien, Licht und exquisite Handwerkskunst einfliessen lasse.

In solch einem Raum fühlen sich die Menschen dann …?
Zu Hause. Sie fühlen sich wohl, geschützt, inspiriert. Bei meiner Arbeit steht der Mensch im Mittelpunkt. Deshalb entwerfe oder plane ich in erster Linie für den Menschen, für sein Wohlbefinden, für seine Gelassenheit und Ruhe.

Haben Sie ein Lieblingsprojekt aus Ihrem Portfolio?
Jedes Projekt ist bezüglich Kontext, Ort, Verbindungen, Nutzung und Aufgabenstellung anders, sodass es schwierig ist, einige zu bevorzugen. Ausserdem berücksichtige ich beim Entwerfen immer ein Narrativ und in diesem Sinne sind meine Projekte eine Sequenz eines umfassenderen «grossen Bildes». Dennoch gibt es einige Schlüsselprojekte, die mir in den Sinn kommen, weil man immer eine emotionale Verbindung schafft – wie etwa bei der Casa M, meinem Urlaubsdomizil in Portugal.

Wie betrachten Sie den Trend zu Farbe und Opulenz im Interior Bereich?
Ich folge keinen Trends, ich versuche immer, mir selbst treu zu bleiben, indem ich den Kunden an die erste Stelle setze und Räume, Gebäude oder Objekte schaffe, die das Leben der Menschen verbessern.

Wie arbeiten Sie am besten?
Mein Designprozess ist konstant, ich entwerfe immer in meinem Kopf – nie vor einer «leeren Leinwand». Ich bin gerne so aufmerksam wie möglich und habe einen stark visuellen Ansatz. Ich setze mich regelmässig mit meinem Team zusammen und diskutiere Ideen und Richtungen, um eine gemeinsame Vision zu erreichen. Meine ständige Inspiration kommt von Reisen, Gesprächen, Ausstellungen, Menschen und dem täglichen Leben.

Womit sind Sie zur Zeit beschäftigt?
Mit vielen Projekte parallel … Residenzen in Asien, Belgien, USA, Berlin, Projekte für Molteni&C | Dada, Zara Home, Flos, Hospitality Projekte in Portugal, zu viele. Kurzum, zu viele, um sie alle aufzuzählen.

Gibt es neben all dem noch ein «dream come true»-Projekt?
Nichts Spezielles, aber im Allgemeinen möchte ich weiterhin neue Architekturen, Produkte und Innenräume entwerfen und gestalten und auf organische Weise etwas für die Menschheit schaffen, zeitlose Objekte kreieren. Ich möchte mehr reisen. In Ländern bauen können, in denen ich noch nicht war. Ich hoffe nur, dass wir nicht zu viel bauen und produzieren werden, denn wir müssen uns um die Welt kümmern und mehr in zeitlosen Strukturen und Objekten denken. Im Hinblick auf künftige Unternehmungen macht es mir generell viel Freude, jedes Projekt als Chance zu betrachten, neue oder unerwartete Ideen auszuprobieren. In meinem Kopf entwerfe ich ständig. Diesen roten Faden, der sich durch meine Arbeit zieht, immer wieder zu erneuern und weiterzuentwickeln, ist eine willkommene Herausforderung. Ich freue mich darauf, meine Kunden zu überraschen und jedem Projekt ein Gefühl von Integrität und Individualität zu verleihen. Gleichzeitig möchte ich mit Menschen zusammenarbeiten, die mich herausfordern, mit denen ich eine kreative Chemie und eine starke Interaktion habe. Ich arbeite gerne mit Menschen und Kunden zusammen, die mich aus meiner Komfortzone herausholen.

„Mein Designprozess ist konstant, ich entwerfe immer in meinem Kopf – nie vor einer ,leeren Leinwand‘.“

Photos Copyrights: Piet Albert Goethals, Mark Seelen, Alberto Piovano, Hélène Binet,  Max Zambelli, Matthieu Salvaing, Vincent Van Duysen, Koen Van Damme

Nach einer unfreiwilligen Pause fand jüngst die Interior-Design-Ausstellung «neue räume» zum 11. Mal wieder statt. Rund 100 Aussteller kamen in der alten ABB-Halle in Zürich Oerlikon zusammen, um Wohntrends, Produktneuheiten und Designobjekte zu präsentieren.

Die etablierte Design-Messe gilt über die Grenzen der Schweiz hinaus als wichtige Präsentationsfläche und bedeutsamer Treffpunkt für das «Who is Who» der Möbelszene sowie für Design-Liebhaber. Als zusätzlicher Glanzpunkt zu den innovativen Herstellern aus dem In- und Ausland mit deren Produktneuheiten zeigt die «neue räume» traditionell in verschiedenen Sonderschauen aktuelle und kommende Wohntrends. Nebst einem spannenden Veranstaltungsprogramm, interessanten Produktneuheiten sowie kulinarischen Entdeckungen kehrte die Designwelt wieder zurück auf die Bühne in Zürich. 

Bunt und radikal

Eine der diesjährigen Sonderschauen war die Ausstellung «Frauen im Design». Dort wurden bekannte Möbel und Objekte von Designerinnen, welche sich seit Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts bis in die Gegenwart mit ihren Entwürfen einen Namen gemacht haben, präsentiert. Darüber hinaus hat der Verein «mobiglias – Handwerkskunst aus Graubünden» in einem Design-Wettbewerb Möbel und Objekte gesucht, die einen Bezug zu Graubünden haben und zudem handwerklich hergestellt wurden und vorzugsweise aus einheimischen Materialien bestehen. Die Mitglieder von «mobiglias» haben die Siegerarbeiten als Prototypen angefertigt und diese erstmals an der Sonderschau präsentiert. Wie erhofft – und erwartet – waren auch dieses Jahr die weltweit renommiertesten Möbelhersteller vertreten. Nach dem Credo «Wohnen ist da, wo wir uns wohl fühlen», begeisterte die (möglicherweise noch nicht weltweit) bekannte Schweizer Möbelwerkstätte «Vifian» aus Schwarzenburg mit dem stilvollen Garderobenmöbel «trio», das durch seine sensible Optik ebenso wie durch seine Vielseitigkeit besticht. Modular, mutig und multidimensional! Für poppige Aufmerksamkeit sorgten gewiss die beiden Marken «Gufram» und «Memphis Milano», die nun auch Teil von «Italian Radical Design» sind. Die neu ernannte Gruppe, wurde mit dem Ziel gegründet, italienische Designmarken zu stärken, welche sich durch einen unverwechselbaren und nonkonformistischen Ansatz auszeichnen. In der Schweiz stellten die beiden Labels nun erstmals gemeinsam bei «neue räume 22» aus und zwischen den vorwiegend farblich dezenteren Möbelobjekte auf der Ausstellung war die bunte Möbelwelt der Italiener unübersehbar. Fritz Hansen war erfreulicherweise auch dabei, diesmal mit einer Auswahl an kuscheligen Loungesesseln und natürlich dürfte Tom Dixon ebenfalls nicht fehlen, der dieses Jahr 20-jähriges Bestehen feiert sowie
Magis, Minotti, wb form, Skagerak, ClassiCon oder embru, um nur einige zu nennen.

Très chic in der Waschküche

Nebst Möbeln und Objekte gab es auch aus der Schweizer Textil- und Waschwelt Spannendes zu sehen. Etwa das Unternehmen Christian Fischbacher, das seit über 200 Jahren sinnliche und ästhetisch herausragende Heimtextilien herstellt. Zusammen mit der Architektin und Designerin Hadi Teherani wurde nun die gemeinsame «Contemporary Persia Collection» um zwei handgetuftete Teppichmodelle erweitert. Die Muster und Farben sind inspiriert von Designs aus dem Iran und kombinieren feinste Merinowolle mit schimmernder Seide und Bambus. Dass Wäschewaschen auch chic sein kann, bewies das Unternehmen Schulthess mit einem eleganten Waschturm, der sich nicht in der dunklen Wäschekammer verstecken muss. Und dass auch Kochen mit Design verbunden ist, belegte der spezielle Programmpunkt «Orea meets Caminada». Der mit drei Michelin-Sternen ausgezeichnete Koch Andreas Caminada kreierte in Kooperation mit David Spielhofer die Kücheninsel «Orea AC». Orea plant Küchen als Herzensangelegenheit, die Küche soll inspirieren und zum Selbstkochen animieren. Moderiert von Anna Maier präsentierte Andreas Caminada das zeitlose Design mit seiner faszinierenden Materialisierung. 

Wallace Chan auf der Kunst Biennale in Venedig

Ob filigrane, opulente Schmuckstücke aus Edelsteinen oder monumentale Skulpturen aus Titan – die Arbeiten des Chinesischen Künstlers Wallace Chan bringen immer auch seine buddhistische Philosophie zum Ausdruck. In Venedig ist seine Ausstellung „TOTEM“ im Kontext der 59. Kunst Biennale zu sehen. Wir trafen ihn zum exklusiven Interview in der Lagunenstadt. 

Bettina Krause: Was ist die Idee dieser Ausstellung?
Wallace Chan: Es sind die Fragmente einer zehn Meter grossen Skulptur, durch die sich die Besucher*innen bewegen. Thema ist die Ungewissheit – im abgedunkelten Ausstellungsraum ist kaum zu erkennen, wie sich die Fragmente wieder zusammenfügen lassen. In der Regel betrachtet man Skulpturen aus der Distanz als Ganzes, bewegt sich um sie herum und das Innere bleibt verborgen. Diese Idee wollte ich öffnen, sodass Betrachter*innen das Innere der Skulptur sehen können und zum Teil von ihr werden. Sie bewegen sich durch die Fragmente, die ich Totems nenne, gehen eine Bindung mit ihnen ein und erlangen immer wieder überraschende, ungewisse Perspektiven.

Dieser Gedanke steht sinnbildlich für unsere Weltordnung?
Richtig. Derzeit leben wir in sehr ungewissen Zeiten aber meine Hoffnung ist, dass sich die Fragmente der
Skulptur – und jene unsere Welt – wieder zu einem heilen Ganzen zusammenfügen lassen. Damit sich der Prozess der Konstruktion, Dekonstruktion und Rekonstruktion vervollständigt.

Blicken Sie also positiv in die Zukunft?
Derzeit wartet unsere Welt darauf, wieder repariert zu werden. Ich glaube, dass die Welt und wir als Menschen, die Kraft haben, selbst zu heilen. Wir müssen daran jedoch arbeiten. Die Ausstellung ist ein Sinnbild dieser Zusammenhänge und wird an unterschiedlichen Orten weltweit dekonstruiert und rekonstruiert. Im aktuellen Zustand erinnert sie an die Kraft und Möglichkeit, zu heilen und zurück zur Balance zu finden.

Was drückt der Titel „TOTEM“ aus?
Die Idee eines Totems ist unser Versuch als Menschen, eine Verbindung mit dem Unbekannten herzustellen. Zugleich ist es unsere Hoffnung auf etwas Grösseres ausserhalb unserer Realität. Zu meinen frühesten Kindheitserinnerungen gehören die kunstvollen Schnitzereien von Drachen, Phoenix und wundersamen Kreaturen an chinesischen Tempeln. Der Glaube besagt, dass man mit den Göttern verbunden ist, weil die Figuren in die Tempel geschnitzt sind. Die Idee des Totems ist unser Versuch, in die uns unbekannte Welt, in das Ungewisse vorzudringen.

Was können Besucher*innen aus der Ausstellung für sich mitnehmen?
Es geht darum, über den Prozess der Dekonstruktion und Rekonstruktion unseres Selbst zu reflektieren: Was ist unser Selbst? Was macht uns zu dem, was wir sind? Sind wir die, die wir zu glauben scheinen oder sind wir von der Gesellschaft geformte Wesen? Wir leben in einer Zeit des Informationsüberflusses und werden bombardiert mit Informationen. Manchmal denken wir, dies wäre ein Teil von uns, weil wir die Informationen ungefiltert in uns aufnehmen, ohne über unsere eigene Existenz zu reflektieren. Ich denke, dies ist ein guter Ort zur Kontemplation und um über die Idee des eigenen Selbst zu reflektieren – woher es kommt und wohin es geht.

Kann Kunst einen Beitrag leisten, die Krisen unserer Zeit zu bewältigen?
Ja, denn die Kunst hat die Kraft, uns zu helfen, zu transzendieren. Was wir auch derzeit in der physischen Welt erleben – sie gibt uns die Möglichkeit, von etwas Besserem, Höheren, Schönen, Gütevollerem zu träumen. Ich glaube an die Kraft der Kunst und ich kann mir eine Welt ohne sie nicht vorstellen. Ohne Kunst gibt es keine Hoffnung. 

TOTEM by Wallace Chan
20. April bis 23. Oktober 2022
Fondaco Marcello
Calle del Tragheto, Venedig

Photos Copyrights:  Massimo Pistore

Einrichten im Japandi-Stil bedeutet, sich einen stilvollen Freiraum zu schaffen.

Man nehme eine gehörig grosse Portion japanischen Minimalismus und füge diesem eine ebenfalls nicht zu unterschätzende Masse an nordischem Design hinzu – und fertig ist der Wohntrend 2021. „Japandi“ ist ein Mix aus dem beliebten skandinavischen „Hygge“-Style und der japanischen Wabi-Sabi-Philosophie, die auch als das Konzept der Wahrnehmung von Schönheit gilt. Offensichtliche Kernelemente des Japandi sind natürliche Farben, schlichte Formen und vor allem Holz. Während die Nordeuropäer hier helle Hölzer von Fichte oder Eiche zum Interieur beisteuern, kommen aus dem asiatischen Raum eher dunkle Designstücke aus Akazie oder Walnuss. Stilvoll umgesetzt zeigt sich dies beispielsweise in Form eines massiven Eichholztisches, der von dunklen Holzstühlen flankiert wird.

Weniger ist mehr

Ein Wandspiegel, der den Raum optisch grösser erscheinen lässt, oder bewusst platzierte Lichtinseln wie eben auch Grünpflanzen, die den Blick auf sich ziehen und unsere reizüberfluteten Sinne zur Ruhe kommen lassen, so geht Dekorieren im Japandi-Style. Nicht fehlen dürfen zudem zwei für den japanischen Einrichtungsstil bekannte Elemente: Raumteiler, die sogenannten Paravents, und niedrige Möbelstücke wie ein Futonbett oder ein entsprechend tiefergelegtes Sofa. Keramikvasen mit japanischen Schriftzeichen sind zudem ein Statement, auf das nicht verzichtet werden sollte. Von „Hygge“ inspiriert werden ausserdem auch Kissen und Decken zum funktionalen Extra. Wichtig jedoch: Nichts übertreiben und sich bei jedem Stück fragen, ob es das wirklich (noch) braucht.

Ein Ort der Ruhe

Der Begriff Japandi ist übrigens ein Kofferwort aus den beiden Begriffen „Japan“ und „Scandic“. Und so ganz neu ist der Stil – wir müssen ja ehrlich sein – auch nicht. Schon vor rund 150 Jahren liessen sich dänische Architekten auf einer Japanreise von der schlichten Eleganz des dort gelebten Wohnstils inspirieren. Doch so richtig Einzug in unser Zuhause hat der klare und sehr zurückhaltende Look erst jetzt gehalten. Ob es daran liegt, dass wir alle mehr daheim sind und trotz eingeschränkter Bewegungsfreiheit den Wunsch nach Grosszügigkeit vermissen, sei dahingestellt. Fakt ist, Japandi sorgt für stilvolle, heimelige Rückzugsorte. Und die tun jedem von uns gut – jederzeit!

Die Sehnsucht nach der Zukunft

Li Edelkoort, so wird ihr Name meistens abgekürzt, ist eine viel beschäftigte Frau, die immer auf der Suche nach gut verkäuflichen Informationen ist, wie wir in Zukunft wohnen, was wir anziehen, mit welchen Materialien oder Farben wir uns umgeben möchten.

Als intuitive Denkerin durchleuchtet sie die Entwicklung soziokultureller Trends, bevor sie diese mit ihren Kunden aus verschiedensten Industriezweigen wie beispielsweise Einrichtung, Fashion, Einzelhandel, Textil, Automobil, Food und Kosmetik teilt. Unter ihrem in Paris ansässigen Unternehmen Trend Union gibt Li Edelkoort Trendprognosen zwei Jahre im Voraus heraus. Die verschiedenen Trendbücher erscheinen halbjährlich und werden von Strategen, Designern und Marketingspezialisten von verschiedenen internationalen Marken und Firmen für ihre Arbeit verwendet. Sie weiss wie kein anderer zu verbinden, was war, was ist und was kommen wird.

Mode und ihre neue Wirkung

Das Ergebnis ist atemberaubend und bahnbrechend. Es verlagert den Kauf von Kleidungsstücken von einem Akt des Konsums zu einem Akt des Kuratierens und zielt auf eine präzise Auswahl ab, die zu Objekten wird, die mit Energie und Kameradschaftlichkeit durchdrungen sind: Kleidungsstücke, die wie Freunde sind. Sie sind zeit- und alterslos und werden zu klugen Investitionen auf lange Sicht. Diese Präsentation ist daher die nächste in einer Reihe von saisonlosen Konzepten, bei denen die Kleidung von Trends und Marketing abgekoppelt wird und nach einer alternativen, tieferen Bedeutung sucht. Sich um den Planeten und die Menschen zu kümmern, Hoffnung für die Zukunft zu geben. Alle Kleidungsstücke haben ihre eigene Identität und können die Verwirklichung einer kleinen Kollektion motivieren, die eine Auswahl nach Mass bietet. Ein neuer Weg zur Kreativität und auch irgendwie die Sehnsucht nach einer neuen Zukunft.

Im Gegensatz dazu führen innovative neue Materialien oder der Wunsch, Stärke zu zeigen, zu kühnen skulpturalen Formen, die mit einer Erweiterung des Körpers spielen. Diese Wertschätzung, die den Ursprung in der Natur findet, wird sich mitunter auch eine bewusstere Lebensweise zeigen. Edelkoort sagt auch eine verstärkte Nutzung von Zügen statt Flugzeugen sowie Elektroautos oder E-Scootern voraus. Besonders entscheidend ist für die gebürtige Holländerin jedoch der Wandel der Konsumgewohnheiten: Weniger unüberlegte Impulskäufe, weniger zwanghaft – dafür sinnvoll und nachhaltig.

Von 2015-2020 war sie Dekanin für hybride Designstudien an der Parsons in New York, wo sie einen Textil-Master und das New Yorker Textile Month Festival im September gründete. Edelkoort wurde vom TIME Magazine und Business of Fashion schon zu einer der einflussreichsten Personen in der Modebranche ernannt und gilt weithin als eine der einflussreichsten Personen im zeitgenössischen Design.  Ihre zum Nachdenken anregenden Schriften und Podcasts erfreuen sich zunehmender Beliebtheit in einer Zeit, in der sie als Aktivistin und Vorkämpferin für Veränderungen gilt. Im Jahr 2020 wurde sie von der niederländischen Zeitschrift Harper’s Bazaar zur Frau des Jahres (Oeuvre Award) gewählt, während sie das World Hope Forum als Plattform gründete, um die kreative Gemeinschaft zum Wiederaufbau einer besseren Gesellschaft zu inspirieren.

Photos Copyrights: Thirza Schaap, Shutterstock